​：波普艺术的起源与冷战竞争力

当你想到波普艺术时，你通常会想到安迪·沃霍尔。 沃霍尔给厌倦了 20 世纪 60 年代初抽象表现主义阴郁气氛的纽约艺术界带来了浮华和魅力。 但他并不是波普艺术的创始人；而是波普艺术的创始人。 事实上，他是在罗伊·利希滕斯坦之后开始在这一领域创作的。 即便如此，两位艺术家都不能声称自己是该流派的创始人。

波普艺术并非起源于纽约，而是起源于战后的伦敦。 在那里，一群艺术家考虑了在艺术中使用流行文化参考的可能性。 其中一位艺术家理查德·汉密尔顿 (Richard Hamilton) 在 1956 年创作了可以说是这种风格的第一件作品：一个拿着棒棒糖的健美运动员人物，使用的是广告图像拼贴画。 但汉密尔顿的作品也指出了波普艺术在 20 世纪初的更深层次根源，当时毕加索和布拉克设计了纸杯，而杜尚则通过他的成衣将这一技术推向了合乎逻辑的结论。 最终，在学者看来，波普艺术源于共产主义和资本主义之间的冷战竞争，以及后者在整个西方传播消费文化——波普艺术也反映了这一发展，就像它在世界范围内传播一样。 我在这里推荐一些关于这段历史的书籍。

劳伦斯·阿洛韦，美国波普艺术

这本书由英国作家劳伦斯·阿洛韦于 1974 年出版，并被收录在惠特尼博物馆的群展中，其中包括贾斯珀·琼斯、罗伊·利希滕斯坦、克拉斯·奥尔登堡、罗伯特·劳森伯格、拉里·里弗斯和安迪·安迪·沃霍尔，这本书是其中之一关于波普艺术的开创性评估书籍。

事实上，劳伦斯·阿洛韦以多种方式塑造了这一流派。 例如，他帮助组织了1956年在伦敦白教堂画廊举办的艺术展“这就是明天”，该展览认为，在信息时代，当代艺术不可避免地会从流行文化中汲取灵感。 随着波普艺术在美国的出现，这一主张在改变消费社会的标志和符号的工作中结出了硕果——品牌、电影图标和卡通，它们定义了阿洛韦所描述的“我们生活的二十世纪的交流方式”。在。” 网络的所有部分”——进入 Fine Art。

2.露西·R·利帕德，《波普艺术》

源自流行文化的波普艺术的视觉魅力吸引了媒体的广泛关注，并将纽约艺术市场推向了令人眼花缭乱的高度。 这种行为引发了主流艺术界的强烈反对，部分极简主义和概念艺术家仍然相信商业对艺术的腐败影响。

在此背景下，露西·R·利帕德 (Lucy R. Lippard) 于 1966 年出版了她的《波普艺术史》(History of Pop Art)。这本书由阿洛韦、评论家南希·马尔默 (Nancy Malmer) 和尼古拉斯·卡拉斯 (Nicholas Callas) 共同撰写，讲述了波普艺术在英国和美国的双胞胎诞生以及后来对加拿大和加拿大的渗透。欧洲。 利帕德写道：“波普艺术本身不是迪斯科时代的产物，而是它的流行。”他指出，波普艺术对艺术界内外人们的广泛吸引力反映了中世纪的时代精神。

3. 哈尔·福斯特，《流行音乐的第一个时代》

波普艺术对社会产生了多大的影响？ 根据评论家和历史学家哈尔·福斯特的说法，他相信他所说的“第一个流行时代”改变了人类的状况和主体性的本质。 在福斯特看来，波普艺术预示着一个时代的开始，在这个时代中，一切事物和每个人都将被纳入晚期资本主义的运作之中，我们今天可以在社交媒体包罗万象的神游中看到这一结果。 福斯特将他的书分为几个章节，专门介绍波普艺术发展中的五位关键人物——理查德·汉密尔顿、罗伊·利希滕斯坦、安迪·沃霍尔、格哈德·李·希特和埃德·拉斯查——对每个人物都提供了见解。 例如，利希滕斯坦的圆点画代表了“消费资本主义下生活条件的关键性翻倍”，而沃霍尔的作品则反映了他对死亡的关注以及作为推迟死亡手段的自我形象的产生。 一个方法。 与此同时，里希特追求美丽和道德清晰，同时也承认两者都是不可能的。 总的来说，福斯特的书令人信服地证明波普艺术比以往任何时候都更重要。

4. Darsie Alexander《国际流行音乐》

多年来，波普艺术的历史已经演变为不再以纽约为中心的视角，使得这场运动从英国开始，然后在美国和欧洲大陆扎根。 鲜为人知的是，波普艺术也被世界各地更广泛的艺术家所采用，这种现象终于在国际流行音乐中得到了应有的关注。 从 20 世纪 50 年代到 1970 年代，书中收录了美国读者不熟悉的雷蒙多·科拉雷斯 (Raymundo Colares)、田名网敬一 (Keiichi Tanaami)、纳尔逊·莱纳 (Nelson Leirner) 以及其他广为人知的贾斯珀·琼斯 (Jasper Johns)、草间弥生 (Yayoi Kusama)、安迪·沃霍尔 (Andy Warhol)。 本书展示了波普艺术是如何根据特定国家的特定文化、历史、经济和政治条件而被吸收的。 例如，在巴西，它采取了针对 1964 年上台的军政府的政治抗议的形式。通过讲述该运动的全球影响力，《国际流行音乐》表明仍有很多东西需要学习。

5. 马克·戈弗雷等人。 《与流行共存：资本主义现实主义的再现》

（马克·戈弗雷等人，《与流行音乐共存：资本主义现实主义的再现》）

尽管名为“资本主义现实主义”，但与其说它是一场运动，不如说它是一个合作艺术项目，其中包括 20 世纪 60 年代初至中期在西德举行的数场展览和表演。 其中的两位主要人物——曼弗雷德·库特纳、康拉德·鲁格、西格玛·波尔克和格哈德·里希特——非常有名，这就是为什么艺术史副现象的这一章引起如此多的兴趣。 这本书最初伴随着 2013 年在杜塞尔多夫美术馆开幕的同名展览，随后于次年前往纽约市的非营利性艺术家空间。 这本书深入探讨了资本主义现实主义的起源，作为对美国波普艺术自我神话化、艺术渗透的生活以及与约瑟夫·博伊斯相关的激浪派美学的半开玩笑的回击。 但尽管具有讽刺意味，资本主义现实主义在批评美国的软实力和战后德国试图通过令人麻木的消费主义舒适来逃避纳粹历史的过程中，却是极其严肃的。 总而言之，这是对后现代主义迷人篇章的重要回顾。

6. Kaira M. Cabañas，《新现实主义的神话：战后法国的艺术与表演》

新现实主义通常被称为法国波普艺术，考虑到它与沃霍尔、利希滕斯坦等人的企业精神相去甚远，这种比较并没有真正引人注目。 美国波普艺术的圆滑与二战后基础设施完好的国家的命运相对应，而新现实主义相对粗糙的品质则让人想起不那么幸运的欧洲。 但根据凯拉·M·卡瓦尼亚斯（Kaira M. Cabañas）的修正主义历史，新现实主义与其说是一场运动，不如说是一群特殊的艺术家——伊夫·克莱因（Yves Klein）、雅克·维勒格莱（Jacques Villeglé）、让·丁格利（Jean Tinguely）——评论家皮埃尔·雷斯塔尼（Pierre Restany）将其归因于这一主题。 对于 Restany 来说，新现实主义的定义是对消费者和技术文化的充分利用。 但卡瓦尼亚斯认为，它的各种张力实际上都有一种“表演现实主义”的倾向，其中行动（克莱因的跃入虚空；丁格利的自焚动态雕塑）与物体一样重要。

7. Sid Sachs、Kalliopi Minioudaki，《诱人的颠覆：女性流行艺术家》

1958-1968 在整个艺术史上，女性艺术家一直被忽视，对于 20 世纪 60 年代与波普艺术相关的女性来说更是如此。 2011 年，由以复兴被忽视的职业生涯而闻名的艺术家 Sid Sachs 组织的巡回展览“诱惑颠覆：女性流行艺术家 1958-1968”中重新审视了她们和她们的巨大成就。 著名策展人、作家。 萨克斯与卡利奥皮·米尼乌达基 (Kalliopi Minioudaki) 一起编辑的目录同样彻底地重新评估了女性流行艺术家，这些艺术家要么被完全忽视，要么在被遗忘之前获得了一定程度的名气。 其中一些被驳回是因为艺术家被认为太漂亮了；

涵盖的艺术家名单范围广泛，从现在家喻户晓的艺术家（草间弥生）到职业生涯中期的坚定人物（费思·林戈尔德、玛莎·罗斯勒），再到在这场展览之前被时间遗忘的艺术家（罗莎琳·德尔·雷·凯斯勒、帕蒂·穆夏）。