谢邀：如何欣赏雕塑的好坏？|？

谢谢你的邀请。

又是一个说来话长的问题。

如何欣赏雕塑作品？ 这涉及到历史、美学等问题； 雕塑在西方艺术史上的地位确实非常重要，但它并不总是占据主导地位。

雕塑系一直徘徊在造型学院和工艺美术学院之间，也因其属性而得以自立。

最早的雕塑形成于旧石器时代的奥里尼昂时期。 一些粗糙的圆雕、浮雕、骨雕等相继出现，其中有不少女性形象。 原始绘画仅在马格达林时期才得到显着发展。 颜色很少，基本只有红、黑、黄。 原始人通常在洞穴的最深处绘制它们，使用动物脂肪灯或火把来创作。 动机可能与巫术和祭灯活动有关。 雕刻之所以先于绘画，是因为雕刻的技术更接近石器，掌握得更熟练。 绘制壁画的方法是先雕刻出轮廓，然后涂上与动物脂肪或血液混合的矿物颜料。 事实上，绘画技术诞生的那一刻，绘画作为造型艺术在自由方面的优势就已经显现出来。

早期的雕塑和其他手工艺品与建筑一起出现。 中石器时代，岩画开始发展。 法国阿基勒文化和西方版画是黎凡特地区最具代表性的文化。 这些图片具有叙事性、表现力和现实性。 、构图等都有了很大的提高，有很多记录氏族间战争、公有制解体的画面。 新石器时代是母系社会的鼎盛时期，随着纺织工业和陶器工业的出现，图形更加多样化。 这一时期建筑学也迅速发展，出现了大量的巨石建筑。

“巨石阵”位于一个叫埃姆斯伯里的地方，距英国伦敦约120公里。

雕塑最重要的发展是在美索不达米亚。 在乌鲁克时期和泽姆代特-纳斯时期，陶器得到发展，图案和象征技术日益复杂。 尤其是色彩的运用，如黑色象征世界，红色象征人间，青色代表天堂，白色象征太阳等。白色是最高贵的颜色，象征上帝。 （中国则不同，比如清军八旗本来是用五种颜色来象征的，红色象征火，黑色象征铁，黄色象征土，白色象征水，蓝色象征天。黑色是从土生出来的，然后去掉了，后来加了红色。黄，蓝白，白红旗。）

“雪花石膏花瓶”美索不达米亚的苏美尔文化。

上面有一些动物和植物的图像，还有母亲女神伊南娜。

“牛头竖琴”乌尔城。

在乌尔城发现的牛头竖琴（约公元前 26 世纪）是一件工艺非常精湛的作品。 竖琴身上绘有传奇英雄吉尔伽美什的故事。

公元前24世纪左右，萨尔贡一世建立的阿卡德王国统一了两河流域。 文化落后的阿卡德人接受了苏美尔人的文化影响。 这一时期的雕塑开始与生活产生了密切的联系。 。

《萨尔贡一世的头颅》

并为他的孙子纳拉姆·辛格（Naram Singh）树立了功勋柱。 大约在公元前23世纪。

这时，雕塑开始具有政治属性，类似于神功纪念碑的意义。 公元前22世纪左右，阿卡德被古丁人摧毁。

下一阶段的雕塑出现在巴比伦王国。 著名的《汉谟拉比法典碑》作为一种雕塑形式，其历史意义远大于美学意义。 雕塑本身就承载着大量的历史信息，其保存时间长、写实性、感染力等特点使其长期统治着艺术史。

汉谟拉比法典

亚述艺术最重要的是浮雕的发展。 萨尔贡二世宫殿最著名的守护动物（高浮雕）亚述（公元前742年至公元前706年）

在雕刻这件作品时，特意为其加了一条腿。 从正面看呈站立姿势，从侧面看呈行走姿势。

“狮身人面像”

塞索斯特里斯一世的“方尖碑”时期。

在埃及，雕塑也占据着主导地位。 除金字塔狮身人面像、供奉太阳神的方尖碑等大型雕塑外，大部分都是统治者雕像和一些较小的工人雕像。 新朝时期绘画才开始大发展，题材多样，更多地记录生活场景和社会政治状况。 因此，这一时期的雕塑，包括壁画，都具有很强的历史意义。

西方艺术史上雕塑最辉煌的地方无疑是古希腊和古罗马。

爱琴海文明，又称克里特岛-迈锡尼文化，存在于公元前30世纪至公元前20世纪之间。 出现了大量规模宏大的宫殿和祭祀庙宇。 作为建筑的一部分，雕塑也取得了空前的发展。 此后，迈锡尼文化更加繁荣。

著名的迈锡尼卫城由巨石建成，方圆约一公里。 城内有豪华的宫殿和住宅。 门上方三角形石龛内的狮子，威严雄伟，极具艺术价值。 狮门上的叠券是世界上最早的券式结构遗迹之一。

《狮子门》

然后经过传说中的荷马时期和古风时期，公元前7世纪左右，开始出现大量的人物肖像。 此时的人不再是一成不变的圆柱体，而是具有一定程度的真实感和对称比例。

古老的微笑，从公元前640年代到1920年代末，男性肖像雕塑主要是年轻男子的裸体站立肖像，希腊人称之为“Kuros”（意为“年轻人”）。 雕像比例、肌肉纹理接近真人，面部表情栩栩如生，笑容满面。 无论什么身份、什么职业，人们都用这种微笑来表达自己，成为了那个时代的统一风格。 后人称之为“古式笑”。

下一个全盛时期是公元前5世纪，当时出现了最早的女性裸体雕像。

卢多维奇王位上的浮雕，公元前 460 年。

希腊多山，矿产资源丰富。 除了大理石之外，优质粘土随处可见。 这些自然资源为雕塑艺术和陶艺工业的发展提供了有利的条件。 公元前1600年，希腊人从东方学到了青铜冶炼技术。 此后，出现了许多精美的青铜雕像。 这是希腊青铜雕像的多产时期。 但由于战争频繁，这些铜像大多变成了兵器，无法保存下来。

古希腊的社会活动一般在露天进行，他们的建筑往往是敞顶的或装饰有开放式柱廊。 寺庙里供奉着神灵的雕像，广场上通常装饰着纪念碑和运动员的雕像。 因此，大多数雕塑都与自然融为一体，可以随时欣赏。 当时，雕塑艺术为社会所共享。

雕塑是古希腊神庙不可分割的一部分。 同样，寺庙建筑的另一个重要组成部分——装饰浮雕，主要用来表达神的力量，其戏剧性的场面更具象征意义。

男性裸体也出现。

《波塞冬》公元前460年。

仔细观察会发现，这个时期的裸体有阴毛，这是公元前六世纪没有的，仅限于男性、运动员和主神：波塞冬、阿波罗、赫尔墨斯、巴克斯等，这是为了表演男人的魅力，女人的问题

为什么那些欧洲油画中的裸体女人下半身没有阴毛？

这个问题里有一个解释。

这一时期最著名的雕塑家是菲迪亚斯，他创作了12米高的雅典女神雕像。 还有同样著名的雕塑家波利克里特斯。 他不仅是一位雕塑家，也是一位理论家。 他总结前人的经验，将人体各部分的比例固定为规则。 例如，人的头部与身体的比例为1：7。 这个时期的特点是英雄主义和理想化的形象较少，而更加符合现实。 人物与个人情感融为一体，具有一定的悲剧色彩。 正是从这个时候，艺术开始从雅典传播开来，出现了不同的艺术中心。

在希腊化之前，雕塑家就开始留下自己的名字，比如凯菲索托斯和他的继任者普拉克斯泰勒斯。 后期的雕塑风格也有所不同：普拉克斯特勒斯安静； 斯科帕斯充满激情，又略带悲剧色彩。 吕西波斯是后期三大雕塑家之一，也是一位很有影响的雕塑家。 他不仅更新了1：8的人体比例，还增强了雕塑的运动感。

“出汗的运动员”利西波斯，约公元前 300 年

希腊化之后，由于亚历山大的远征，东西方文化开始融合。 各国统治者普遍将艺术视为一种享受的工具，而不是像以前那样肩负着神圣的使命。 为了迎合统治者的利益，出现了许多审美思潮，习俗更加普遍，题材也相应扩大。

希腊化时期的建筑崇尚华丽，普遍采用爱奥尼亚柱式和科林斯式柱式。 作为文艺复兴之前整个艺术史上雕塑艺术的巅峰，它出现了。

维多利亚·德·萨莫色雷斯

耐克（希腊语：Νίκη，“胜利”；拉丁语音译：Nike）是希腊神话中的胜利女神。 她在罗马神话中的对应人物是维多利亚。 根据赫西俄德的《神谱》，她是泰坦神帕拉斯和斯提克斯的女儿，也是奎托斯（力量）、贝亚（能力）和泽洛斯（热忱）的女儿。 ），他们都是主神宙斯的同伴。 尽管是泰坦，但她在泰坦战争中站在奥林匹斯众神一边并为他们带来了胜利。

在《萨莫色雷斯的胜利》的传统描述中，尼克常常长有翅膀，速度惊人，但没有其他特殊能力。 她不仅象征着战争的胜利，还代表着希腊日常生活许多领域的成功，尤其是竞技体育领域。 因此，她被认为是幸运之神，并且经常成为艺术品的主题。 在艺术作品中，她常常被同化为其他神灵。 例如，古希腊雕塑家经常将她描绘成一个长着翅膀的娇小人物，栖息在另一个神的手臂上，或者从另一个神的衣服中窥视。 走出去，或者像仙女一样飞翔在高空。

据说这是公元前190年左右的作品，当时罗得岛军队击败了叙利亚的安条克三世。 为了感谢神灵，这座雕像被竖立在萨莫色雷斯岛的卡比利神庙中。 这座雕像高275厘米，于1863年在萨莫色雷斯岛被发现。也许雕像太大，博物馆里似乎没有合适的地方放置她，所以人们把她放在一个宏伟宽敞的楼梯顶部，她在这里欢迎来自世界各地的艺术爱好者。 雕像的头和手臂都不见了，我们再也看不到她的脸了，这是一个很大的遗憾。 但也正是因为如此，人们才能毫无禁忌地想象她是否美丽，是否威严。 女神全身充满了生机与威严。 裹在身上的单薄衣服被海里的水滴打湿，在风中飘扬，紧贴在女神丰满的身体上。 细腻多变的褶皱勾勒出女神曼妙的曲线，给人一种华丽优雅的美感。 她被称为“崇高风格”的理想人体。 这尊雕像完美、完整地体现了女性体内蕴含的旺盛生命力，赋予其高贵、优雅、雄伟的美感。 这是古希腊时期的典型作品，在动静平衡上达到了顶峰。

希腊化时期，表现女性人体之美的雕塑越来越多，对爱与美之神阿佛洛狄忒（又名维纳斯）的歌颂更是多了起来。 其中最著名的雕像就是这座“米洛斯的阿佛洛狄忒洛蒂塔”，并成为歌颂女性身体之美的代名词。

1820年2月，在爱琴海的米洛斯岛，一位农民在一座古墓旁清理土地时挖掘出了一尊女性雕像。 她被分成上下两部分，连同刻有名字的基座、拿着苹果的手腕以及其他碎片散落在附近的田野里。 农民意识到这些物品很贵重，立即将它们埋在原地，并向岛上的法国领事报告。 领事缴纳了少量押金，并通知了当时的法国驻君士坦丁堡大使。 几乎与此同时，正在爱琴海勘测的一位名叫茹尔杜蒙·图尔维尔的法国海军军官对此表示了更大的担忧。 这是希腊艺术的爱好者。 当他看到这些雕像的一些碎片时，他认为它们是一个整体，并第一个断定这是维纳斯的雕像。 于是她立即告诉农夫，法国决定买下她，并请他不要大声喧哗。 他立即赶往君士坦丁堡，向大使陈述了细节，这促使大使下定决心，派人去做交易。 没想到，岛上的长老出于岛上的利益，半途插手。 他们召开会议，决定命令农民将雕像卖给在土耳其任职的希腊官员。 当法国人抵达岛上时，已经到了运送雕像的关键时刻。 看到这一幕，他们几乎动用了武力，命令法国舰艇随时做好行动准备。 一时之间，爱琴海上弥漫着战争的阴云。 事情发生时，一场暴风雨爆发了。 推迟了土耳其船只的出发时间，给了法国特使调解的机会。 他们软硬兼施，最终将雕像转移到了法国船上。 后来，他向岛上捐款，并取得了岛上放弃雕像的誓言。 雕像顺利抵达巴黎。 由于各种政治和人事原因，直到1821年3月2日，国王路易十八才正式接受了这份礼物。 从这一天起，她成为法国的国有财产。 当时的注册名称是“希腊群岛米洛斯岛发现的维纳斯雕像”，与蒙娜丽莎的微笑和胜利女神雕像一起陈列在卢浮宫的一个专门展览室中。 被誉为卢浮宫三宝。

当法国获得这座雕像时，整个国家都处于兴奋状态。 人们视其为国宝，被誉为卢浮宫之宝。 她一直受到世界上所有热爱艺术和美丽的人们的钦佩。 他们都认为能够见证这一古希腊最伟大的艺术奇迹是人生一大幸事。

拉奥孔（The Laocoon and his Sons），一组大理石雕塑，高约184厘米，是希腊化时期雕塑的杰作。 Agesandros 等创作于公元前一世纪左右，现收藏于罗马梵蒂冈美术馆。 据考证，它是由阿格德罗斯及其儿子波利索罗斯和阿塞诺多罗斯于公元前一世纪中叶制作的。 1506年在罗马出土，震惊世界，被誉为世界上最完美的作品。 意大利杰出雕塑家米开朗基罗对此赞叹道：“不可思议”。 德国大文学家歌德认为，《拉奥孔》以其高度的悲剧性激发了人们的想象力，同时在造型语言上“匀称、和谐”。 变化、静止与运动、对比与层次的典范”。

拉奥孔是特洛伊人阿科埃特斯的儿子，也是波塞冬或阿波罗的祭司。 他违背上帝的旨意结婚生子，或者在圣殿的神像前与妻子发生性关系，犯下了亵渎罪。 他在古希腊史诗中的小角色是在特洛伊战争期间，他警告特洛伊人不要接受希腊人留下的特洛伊木马，但没有成功。 然后他被从希腊人临时驻扎的特内多斯岛漂洋过海而来的两条大蛇咬死。

拉奥孔警告他的特洛伊同胞不要接受希腊人留在城外的特洛伊木马。 在《埃涅阿斯纪》中，维吉尔让拉奥孔说出了著名的台词“Equo ne Credite, Teucri / Quidquid id est, timeo Danaos et dona ferentes”，意思是“不要相信这匹木马，特洛伊人/甚至希腊人我都害怕他们”即使他们带着礼物来。” 这句话后来演变成了一句话：小心带礼物的希腊人，可以看作是西方版的“黄鼠狼过年——不安和不友善”。 对拉奥孔的可怕命运最详细的描述来自昆图斯·斯迈雷乌斯的史诗《后美洲》，该诗讲述了《伊利亚特》的事件。 维吉尔在《埃涅阿斯纪》中也采用了这个主题。 按照维吉尔的说法，特洛伊人并没有听从拉奥孔的建议，而是听信了香农（自愿留下来欺骗特洛伊人的希腊战士）编造的谎言。 拉奥孔愤怒地将长矛扔向特洛伊木马。 去。 支持希腊人的密涅瓦派出海蛇勒死了拉奥孔和他的两个儿子安提凡特斯和蒂姆布雷乌斯。 SV Tracy 指出：“拉奥孔以城市的名义向波塞冬献祭了一头牛（第 201 行），但最终自己却成了悲剧性的牺牲品（第 223-224 行）。这个比喻很明确，在某种程度上，他的死亡成为代表整个城市的象征。” 据古希腊诗人欧福里翁记载，拉奥孔实际上是因为在献给波塞冬的圣地进行生殖活动而受到惩罚，不幸的是，惩罚的时机让特洛伊人误认为他的死亡是攻击特洛伊木马的结果，于是他们拉索福克勒斯曾根据拉奥孔的故事写了悲剧《拉奥孔》，现已失传。

拉奥孔雕像成为莱辛 1766 年著作《拉奥孔》的中心主题。 丹尼尔·奥尔布赖特在他的著作《解开蛇：文学、音乐和其他艺术中的现代主义》中，从美学角度重新分析了拉奥孔的角色。 除了文学作品外，约翰·巴斯还在短篇小说《路的尽头》中使用了拉奥孔的半身像。 REM 乐队在专辑《Murmur》中的歌曲“Laughing”中提到了拉奥孔和他的两个儿子。 拉奥孔雕像的姿势也在漫画《阿斯特里克斯历险记》中被戏仿。

著名的大理石雕塑《拉奥孔父子》描绘了拉奥孔之死。 根据老普林尼的说法，它是由来自罗德岛的三位雕塑家阿格桑德尔、阿塞诺多罗斯和波利多洛斯创作的。 现藏于梵蒂冈博物馆。 。 许多艺术家都复制了这座雕像，其中最著名的是巴乔·班迪内利的作品。 完整的雕像（有些可能是添加了缺失的部分）可以在梵蒂冈、佛罗伦萨的乌菲兹美术馆和乌克兰敖德萨的考古博物馆等地看到。

这几乎代表了传统雕塑艺术的最高成就。 传统雕塑因其特定的历史背景而被赋予了宏伟的意义。 至于如何欣赏它们，这实在是一个不言而喻的问题。 只要稍微了解一点艺术史，明白它在艺术史上的地位，一种敬畏之感就会油然而生。 即使你不懂艺术史，当你站在它们面前时，你也一定会感受到艺术的伟大，并感到卑微。

公元前8世纪，伊特鲁里亚人居住在意大利西北部地区伊特鲁里亚。 这个地方在公元前3世纪被罗马人征服。

《母狼雕像》

公元前8世纪，特洛伊城被希腊人攻陷后，特洛伊王子埃涅亚漂洋过海逃到了意大利，从此居住在那里。 不料，他的子孙中爆发了内乱，阿穆利乌斯篡夺了他的兄弟。 他夺取了农多米尔的王位，赶走了他，杀死了他的侄子，并强迫他的侄女西尔维娅担任女祭司。 女祭司是不允许结婚的，但西尔维娅却秘密嫁给了战神马尔斯。 他们结婚并生下了双胞胎。 阿穆利乌斯得知此事后，杀死了西尔维娅，将孩子们装进篮子里，扔进了台伯河。

幸运的是，此时河水水位下降，篮子搁浅在浅滩上，两个婴儿没有被淹死。 婴儿的哭声吸引了母狼。 母狼不仅没有吃掉这些婴儿，反而把它们带回山洞并用来杀死它们。 他们用自己的牛奶精心喂养它们。 后来，一名牧羊人发现了这对婴儿，并将他们带回家，给他们取名罗慕洛和雷穆斯。 当罗慕洛和雷穆斯长大后，他们练就了武功，杀死了阿穆利乌斯，将王位还给了他的祖父农多米尔。 随后，两人来到了之前被救的台伯河边，建造了一座新的城市。 新城以罗慕路斯的名字命名，称为罗马。 “罗马”由“Romulo”的声音演变而来。 传说命名日是公元前753年4月21日。 古罗马人把这一天视为建国纪念日。 后来，为了表达他们对古罗马历史的敬意和深厚的感情，在公元前6世纪雕刻了一尊母狼的青铜雕像。 公元16世纪，人们又制作了两尊乳婴雕像，放在母狼的腹下。 艺术家赋予这只母狼大量的人情味和母爱，这不仅是一件具有国家历史意义的纪念性雕塑，也是一件珍贵的古代艺术杰作。

罗马艺术和文化是混合的，受到当地土著人民、伊特鲁里亚人和意大利南部希腊文化的影响。 此后，罗马帝国不断扩张，吸收了大量东方文化。

罗马和希腊文化的区别在于，希腊大多体现民主和自由，而罗马则大多推崇皇帝。

奥古斯都一世的肖像，一世纪初。

希腊雕塑的题材很大一部分来自苏美尔神话，而罗马战争则远不止神话。 而且，罗马是一个农业国家，比较务实，不像希腊人那么浪漫。

希腊人靠近大海，崇尚自由，从小就接受艺术和音乐的教育，而罗马人则从小就开始为未来的战争做准备，接受训练，学习实用的知识和技能。

希腊人追求人物理想化，罗马人则注重现实主义，这一点可以从哲学中看出。

希腊雕塑中裸体较多，追求审美，而罗马雕塑多为贵族，身穿华丽铠甲，受宗教和习俗影响，裸体很少。

希腊建筑以神庙为主，祭祀、占卜、敬拜神灵，比较精神化。 除了神庙之外，罗马还花费了大量的精力修建公共建筑，规模远超希腊。

斗兽场（Colosseum），意大利古罗马竞技场，是古罗马帝国专门供奴隶主、贵族和自由民观看野兽打斗或奴隶角斗的场所。

罗马斗兽场于公元 72 年由罗马皇帝维斯帕芗 (Vespasian) 建造，以庆祝他征服耶路撒冷的胜利，并使用了 80,000 名被迫沦为奴隶的犹太和阿拉伯俘虏。

还有一种说法是，俘获的奴隶被卖给了当地的罗马人，获得了巨额收入，能够支撑修建斗兽场的巨额开支。 实际建造这座建筑的人大多是具有相当技能的建筑师和具有专业知识的工人。 地理坐标为 41°53'25.38"N 12°29'32.47"E。 围墙分为四层。 前三层装饰有柱子，有多立克式柱式、爱奥尼亚式柱式、科林斯式柱式等。 这是古雅典所见的三种柱式。 罗马斗兽场以其雄伟而独特的造型而闻名于世。

罗马斗兽场是古罗马最大的圆形剧场。 它是由4万名战俘在公元72年至82年间历时8年建成的，目前仅存遗迹。 斗兽场是为野蛮的奴隶主和歹徒建造的，用于观看角斗士的战斗。 从功能、规模、技术和艺术风格来看，斗兽场都是古罗马建筑的杰作之一。 它的建造速度也是一个奇迹。

在雕塑和绘画方面，罗马人并没有像希腊人那样进行主观加工。 大部分都是描摹，缺乏创意。 而且，为了满足帝王贵族对艺术的要求，他们会过分强调艺术的数量，而不注重艺术的质量。

然后进入中世纪，经过早期基督教时期、拜占庭时期，再到罗马式艺术时期（10世纪至12世纪）。 这一时期的雕塑水平并不突出，通常被用作建筑的附属品。 法国欧坦大教堂角板上雕刻的《最后的审判》中，基督的形象有些被拉长、变形。 这些特征为后来的哥特艺术时期（12世纪至15世纪）铺平了道路。

西方艺术史的文艺复兴几乎与文学史的文艺复兴同步。 一般来说，艺术史上的文艺复兴起源于1401年布鲁内莱斯基和吉贝尔蒂的铜门大赛，两人的雕塑水平是当时最高的。 这次竞赛是由当时的佛罗伦萨政府组织的，目的是为佛罗伦萨洗礼堂的青铜门进行浮雕工作。 经过评审团两年的评审，最终艺术家吉贝尔蒂赢得了比赛。

文艺复兴早期的三位大师中，有两位擅长雕塑，所以早期雕塑的地位确实非常重要。

自文艺复兴盛期以来，这种情况发生了变化。 以达芬奇为首的三位大师大多以绘画为主。 虽然米开朗基罗再现了古罗马和古希腊雕塑的辉煌，但严格来说，后来的传统雕塑从未超越前辈。

另一个层次真正出现是在17世纪的巴洛克时期。 贝尔尼尼、博罗米尼、瓜里尼、乌瓦拉和隆格纳等建筑师将建筑和雕塑提升到了新的高度，他们的成就不仅仅是绘画。 （在意大利尤其明显）

《阿波罗与达芙妮》

洛可可风格在路易十四时期流行，但在路易十六被处死后转向古典主义。 出现了乌东、莱斯布拉克、希梅尔、鲁比利亚克等古典雕塑家。 ,

“法式培根”

从此，雕塑的地位变得越来越从属。 首先，雕塑最初的拟人化，由于油画技法的提高，已经完全盖过了雕塑的光芒。 而且油画等架上绘画更容易传承，作品完成时间更短，题材更广。 、作品保存性、展示性、表现力、历史承载力等都已经超越雕塑，雕塑的立体特征长期以来没有新的进展。

直到表现主义的出现，雕塑才真正独立出来，开始了雕塑作为不同于画架的形式和媒介的新征程。

博乔尼《空间中的连续形式》

19世纪末现代主义兴起，各种流派应运而生，打破传统，开启艺术新篇章。

塔特林“第三国际纪念碑”

创建第三国际（共产国际）纪念碑的任务于1919年开始，塔特林最终设计了模型。 它不采用传统的建筑形式，而是采用奇幻的现代雕塑形式。 如果建造了这座纪念塔，它将是1931年纽约帝国大厦的两倍（120层，高318米，并保持了世界上最高建筑的记录，直到1970年代）。 它的中央机构是由玻璃，立方体和圆柱体制成的核心组成的。 就像比萨的倾斜塔一样，这种清晰的玻璃体悬挂在不等的轴底座上，并被钢棒制成的螺旋梯所包围。 玻璃缸每年在轴心座椅周围旋转一次，内部的空间将教堂和会议室划分。 玻璃芯每月翻转一次，内部是各种活动的地方。 最高的玻璃立方体每天旋转一次，这意味着在这个巨大的雕塑或建筑物上，其内部结构将具有特殊的空间组成，每年，每月一次，每天一次旋转一次。 这些空间是消息中心，可以使用电报，电话，收音机和扬声器等无线电通信方法来不断向外界发布新闻，公告和声明。

根据塔特林的说法，第三国际的纪念碑将“整合纯艺术形式（绘画，雕塑，建筑）和实用性”。 这也是他关于“各种材料文化”的建构主义理论的一部分。 实验。 因为他的艺术作品和概念并没有适应当时苏联的无产阶级艺术标准，因此无法实现这种模式。 作为俄罗斯早期的建构主义艺术家，塔特林（Tatlin）一直受到西方艺术世界的钦佩，尽管他未能意识到自己的野心。 该型号由木材，铁和玻璃制成。 它现在收集在列宁格勒俄罗斯州立博物馆。

亨利·摩尔（Henry Moore）“坐着的母亲和儿子”

就像布朗库西（Brancusi）和阿尔本科（Albenko）等现代雕塑的先驱一样，摩尔（Moore）也创新了雕塑的表达技术，并将英国理论家（例如Lever and Bell）的美学融合到了他的创作中。

贾科梅蒂

大卫·史密斯（David Smith）（1906– 1965年），美国雕塑家。 他是最早创建金属焊接版画的美国人之一。

太多了，所以我不会介绍它们。 。 。 。

总而言之，早期的雕塑确实占据了主导地位，但是在扁平绘画技术的出现之后，雕塑的地位开始动摇，但它仍然以强烈的态度对这一天的态度发展，并保持了强烈的活力。 如何欣赏19世纪后期的后现代艺术，后现代主义，结构主义，构图，至高无上的表达，表达和许多其他艺术学校，无法用几句话进行充分解释，必须分开讨论。

在艺术史上，传统雕塑在古希腊和罗马达到了顶峰，再也无法超越。 由于历史变化，雕塑的地位已逐渐成为独立的艺术类别。 当然，客观地说，由于其自​​身的特征，雕塑很难像石油绘画这样的强大绘画中统治艺术的历史，但这不会影响其自身的艺术价值。 由于概念艺术的出现，现代雕塑变得难以定义。 特别是在Beuy提出“社会雕塑”概念之后，Art进入了另一个层次。